Techno o Tecno

Historia

El tecno agrupa una inmensa variedad de corrientes dentro de su universo y es imposible establecer sus límites y sus alcances, ya que está cambiando continuamente y se recicla, ante lo que surgen nuevas corrientes.

Todo comenzó en los 80 cuando nace el tecno music, el cual se caracteriza por las transiciones suaves y el flujo extendido de la música mientras que el ritmo está hecho de beats -equivalente rítmico del bit digital- o golpes.

Una de las caracteristicas que diferencia a los estilos del tecno se mide en beats por minuto.

El estilo más popular dentro de esta tendencia es el trance, que se aleja de las melodías y combina ritmos rápidos con largas evoluciones sintéticas de sonidos ácidos.

Luego también está el trip hop, que utiliza un ritmo base del hip hop sampleado hasta el cansancio, y ligado a esta tendencia está el jungla cuyo código está en el drum & bass y es un minimalismo rítmico con muchos toques tribales.

Otras variantes son el hardcore y el house.

No obstante, al tecno le queda mucho camino por recorrer y muchos nuevos horizontes que explorar, ya que lo que caracteriza a este tipo de música es su evolución y afán de renovación e intentar abrir camino a nuevos sonidos.

Los DJ

Los dic-jockeys se han dedicado a pasar musica en durante décadas. Pero en los treinta años de existencia de la música dance electrónica, ellos se han convertido en símbolos culturales influyentes.

Hoy en día son personajes de renombre que se afanan en "pasar buena musica" para disfrute de los que bailan en la pista.

Además de servir como guardianes de las industrias musicales locales, algunos DJ son embajadores musicales muy bien pagados que viajan alrededor del mundo para difundir las últimas tendencias musicales.

¿Ello se debe a que han aprendido a “hechizar” una pista de baile, a “trabajar” un disco de manera que suene a la vez familiar y completamente nuevo y a “enloquecer” a la multitud durante una fiesta?
¿O simplemente a que por fin reciben apetitosas pagas y disfrutan de la celebridad que acompaña al dinero y a la aparición en los medios de comunicación?

Probablemente la respuesta sea todo lo anterior o un poco de cada cosa.

Las discotecas de Nueva York

Las raíces de la cultura DJ deben buscarse en centros urbanos conocidos desde hace tiempo como focos de creatividad musical como Nueva York, punto de partida ineludible de cualquier historia, incluso breve, de la era disc-jockera.

Allí, a finales de los sesenta y principios de los setenta, el cruce entre la cultura afroamericana y la sensibilidad gay asumida colectivamente formó el núcleo de la cultura dance contemporánea. La cultura de la música dance, ya se asocie con el disco, el club o el house, tiene sus raíces en Nueva York.

La Gran Manzana se convirtió en la capital mundial de la música disco a mediados de los setenta, gracias a una vibrante cultura underground capitaneada por homosexuales afroamericanos y latinos.
Algunas de las discotecas mas legendarias de la ciudad son The Sanctuary, The Loft, Better Days y Paradise Garage.

Algunos de los Dj's son:
Richie Hawtin
Carl Cox
Marco Carola
Jeff Mills
Ben Sims
Misstress Barbara
Oscar Mulero
Aitor Ronda
HD Substance
Christian Wünsch
Pelacha
Cristian Varela
Paco Osuna
Ángel Molina
Miguel Mendoza

Grupos son:
Miranda
Gorillaz
El Aviador Dro
Evilmoon Project
Flexxtropia
Gboys
Sean Paul
Silica Gel
Simply´s DJ Zone
Techno Spain
Tecnolive
The Last site- Trisomie 21
Acting Out
Camela

Pueden escuchar los temas de Tecno

"Misión Imposible"

"Música Electrónica"


Video de Miranda! "Don"

Tropical de Argentina

Historia
La palabra Tropical identifica los ritmos de América de Sur, de los países del trópico. Tiene nombres diferentes, como por ejemplo "Cumbia" como se la conoce hoy en día.
Es también sinónimo del ritmo salsa en Latinoamérica. Se baila de distintas formas y la ropa también es variada.

Las canciones expresan sentimientos más populares y es un ritmo que va remplazando (o haciéndose un lugar en) los estilos musicales preferidos por los jóvenes, junto al rock y otros.
Con letras y melodías sencillas, es común escucharlo en las estadios de fútbol, donde son utilizadas por las hinchadas de los diferentes equipos para alentar a sus jugadores (o humillar al oponente de turno).

Uno de los grupos mas antiguos en Argentina es "Los Wawanco", con más de 20 años de carrera en un género a veces degradado, a veces considerado menor, pero que a partir de los 90 comenzó a tomar impulso hasta penetrar las capas mas altas de la sociedad.

En ese sentido hace recordar al tango, que comenzó siendo un estilo despreciado y terminó siendo escuchado en los salones de Europa.

Historia hecha por Teresa y profesor Fernando.

Algunos cantantes y músicos son:
Amantes del Peligro
Amar Azul
Gilda
Annabella
Bacilos
Jano Balboa
Grupo Cali
Grupo Uno
Jean Carlos
Carlitos La Mona Jiménez
Los Excelentes
Malagata
Leo Mattioli
Mensajeros del Amor
Olmos, Walter
Los Palmeras
Mario Pereyra
Ráfaga
Rodrigo
Sombras
Sonora Palacios Jr
Los Sultanes
Tus Guardianes

Pueden escuchar los temas de Tropical haciendo click Aquí o Aquí

Video de Rafaga "Mentirosa"

Blues

¿QUÉ ES EL BLUES?
El Blues es la música afroamericana del siglo XX, relacionada con elementos religiosos y el folk. indiano. La palabra Blues denota estado de ánimo, con tintes melancólicos. El Blues ha representado a lo largo de la historia la respuesta de la comunidad negra a la opresión social que vivió, y aún sigue sirviendo como válvula de escape a sus integrantes.

En la mayoría de los casos era interpretado de oído. Los doce compases que habitualmente nos permiten identificar cualquier Blues son su principal seña de identidad.

LOS ORÍGENES

Las raíces del blues pueden situarse en la música que llevaron a Estados Unidos los esclavos africanos allá por el sigo XVIII, asentándose principalmente en las plantaciones de algodón de Carolina Del Sur. En las culturas africanas, prevalecía el canto en grupo con acompañamiento de tambores y percusión, mientras que en otras la tradición era el canto individual con acompañamiento de varios instrumentos de cuerda. Los esclavos de las plantaciones a menudo recreaban estos cantos algunas veces llamados field hollers, así como también quienes cumplían trabajos forzados en prisiones estatales, a los que suele referirse como work songs, con el fin de comunicarse, darse animo y hacer más llevadera la dura labor. Eran canciones con un profundo sentimiento de tristeza que les producía el haber sido desarraigado de su tierra y convertido en esclavos contra su voluntad. El acompañamiento (cuando lo había) era la guitarra, que pasó a convertirse en el instrumento principal del Blues, debido a su portabilidad.

HISTORIA

La esclavitud es el punto de partida del blues. Se trataba de cantos, melodías e historias totalmente vocales creadas en las plantaciones de algodón de Carolina del Sur, previos a la Guerra Civil Norteamericana (1861-1865).

A finales del siglo XIX, el aumento de la animadversión entre blancos y negros obligó a los esclavos a crear sus propias costumbres sociales y buscar en la música un refugio contra la represión. Es entonces cuando surge el Gospel, una evolución de los antiguos cantos espirituales negros. En este nuevo estilo un coro y un solista se iban turnando.

Comenzaron a popularizarse los Blues de ocho compases y dos versos, hasta cristalizar en la habitual fórmula de los doce compases con estrofa de tres líneas.

Los primeros títulos ("Florida Blues", "Atlanta Blues" o "Railroad Blues") hablaban de la inmigración y de problemas sociales, pero el Blues pronto ampliaría su temática al lado más sórdido de la vida, haciendo especial hincapié en el alcohol, el juego, la cárcel, la prostitución, el sexo o el crimen.

Alrededor de 1910 es cuando comienza a difundirse. En el momento en que se empiezan a grabar Blues pueden distinguirse tres tipos:

El Blues del Delta del Mississippi:
El delta del Mississippi se suele considerar la cuna del blues. En todo caso es la cuna de la mayor parte de los que han hecho la historia del blues, incluyendo a los que, habiendo nacido en el Delta, emigraron a Memphis o Chicago.












El Blues tejano:
El aislamiento de tejas respecto a la nación favoreció la emergencia de un blues autóctono en el que se pueden oír influencias hispano-mexicanas.

El Blues de la Costa Este
Se suele agrupar bajo esta denominación todo el blues proveniente de una serie de estados en los cuales las condiciones de vida de los negros fueron comparativamente menos duras. El blues de la costa este es el que mayor influencia tiene de la música anglosajona.

En 1915 se publica "Memphis Blues", de W.C. Handy, un director de banda negro que retoma el estilo popular y le añade arreglos. A partir de entonces surge una auténtica avalancha de canciones: "Baby Seals Blues" (1912), de Baby F. Seals, "Kansas City Blues" (1914), de Euday Bowman y "Hooking Cow Blues" (1917), de Douglas Williams. Estos son algunos de los primeros blues grabados de la historia. Muy pocos cantantes de esta época sabían leer partituras, la improvisación y la tradición oral primaban en esta etapa.

"Crazy Blues" (1920), de Perry Bradford, grabado por Mamy Smith, gran estrella de la época y propietaria de una compañía discográfica que disparó la oferta de grabaciones del género. Es entonces cuando nacen los "race records" (discos raciales), con representantes como Edith Wilson, Viola McCoy o Rosa Henderson.

En 1927 se llegaron a editar 500 discos raciales de blues. Una vez superada la crisis de la gran depresión, la compañía "Víctor" reanudó la comercialización de discos de Blues que se sumaría al auge de los tocadiscos de 78 rpm y que llegaría a su máximo auge a principios de los años 50, momento en el aparecieron derivaciones rítmicas que recibirían el nombre de Rock ´N´ Roll


Algunos cantantes y músicos son:
Sinelefante
B. B.king
Willie Dixon
Los Lunáticos
Muddy Waters
Bo Diidley
Paoloconte Berlin
Big Wilson
Elmore James
Koko Taylor
T. Bone Walter
Lonnie Johnson
Big Bill Broonzy
Jimmy Rogers
Bessie Smith
Sonny Boy Williamson II
Blues Point
Buddy Guy
Bobby Bland
Robert Cray
Etta James
Juan Carlos Ruiz
Champion Jack Dupree
Jimmy Witherspoon

Pueden escuchar los temas de Blues haciendo click Aquí o Aquí

Video de Sonny Boy Williamson

Rap

El rap es el elemento musical de la cultura hip hop.
Es el estilo a traves del cual los jóvenes norteamericanos (y de a poco los de otros países también) han estado expresando su situación social de exclusión, desempleo, marginación y empobrecimiento progresivo.
En este ritmo una o dos personas recitan las letras con un fondo musical que puede ser tomado de otra canción. Los integrantes de un grupo de rap pueden ser tanto negros como blancos.

Orígenes culturales:
Podemos ubicarlo a finales de los 60 y principios de los 70 en Kingston, Jamaica, y a principios de los 70 en South Bronx, New York.
Es un error habitual el creer que los términos rap y hip hop son sinónimos. La realidad es que no se debe usar el término hip hop para referirse a la música, puesto que hip hop, como tal, es una cultura y un movimiento urbano. Sí podremos referirnos al rap como la música de la cultura hip hop, pero cierto es que para evitar complicaciones y sobre todo, confusiones, lo mejor es referirnos al movimiento como hip hop y a la música como rap.
Se llama rap a un estilo musical surgido a finales de los 70 en Estados Unidos, e impulsado principalmente por grupos como DJ Kool Herc, Afrika Bambaataa, Public Enemy, Run DMC, Beastie Boys y LL Cool J, que tuvo un fuerte desarrollo durante los años 1984, 1985, 1986, 1987, 1989 y 1990 con muchas bandas. Gente ajena al movimiento hip hop, incluye en el género rap todas las piezas musicales de electro creadas para bailar breakdance, tanto rapeadas, como cantadas o instrumentales. También considerarían que son rap las mezclas y composiciones instrumentales creadas por disc jockeys (DJs) de rap.







Características
El rap es típico por tener 2 o más "rappers" que cuentan historias semiautobiográficas, frecuentemente relacionadas con homólogos de ficción, de manera intensamente lírica, rítmica, usando técnicas como asonancia, aliteración, y rima. El rapper está acompañado por una pista instrumental, normalmente se refiere a un "golpe" (proveniente del Inglés beat) a causa del énfasis en el ritmo, hecho por un DJ, o por un productor de discos, o uno o más instrumentalistas. Este golpe se crea frecuentemente usando una muestra de intervalos de percusión de otra canción, usualmente una grabación de funk, rock, o soul. A este golpe se le adicionan otros sonidos sintetizados o realizados. Algunas veces una pista puede estar compuesta de un golpe, como una demostración de habilidades del DJ o productor.
Uno de los talentos usuales del artista que canta rap consiste en generar un flow artístico Flow viene del inglés flujo, referido a la fusión constante y melódica de las palabras. Esto se consigue mediante el uso de aliteraciones, cambiando los acentos, fusionando unas palabras con otras, etc.

Para ver un ejemplo, recurriremos a este fragmento de la canción "Ni tan sólo por orgullo" de Magnatiz. En él, Soma San dice:
Enciéndelo de nuevo dale (dale)/ <=Observemos cómo rima tónicamente "enciéndelo" con "dólares" Hagamos que ardan sus dólares/ <=Aliteraciones A, L, E, R Quién sabe lo que la moral es/ <=Cambio tónico "dólares"=>"moral es"=>"molares"
Quiero mascar tu rap con mis molares/ <=Siguen las aliteraciones A, L, E, R y se ha sumado M Quiero que te comas mi ENKÖMEN/ <= Se basa en la aliteración de la M y el juego con la N Mola eh?/ Esto, por supuesto, basándonos en los acentos y las aliteraciones, pero también tenemos que tener en cuenta las rimas consonantes y asonantes. Quizá en el rap en castellano no tengamos muchos claros ejemplos de aliteración y fusión de vocablos, sin embargo el rap en francés es una fuente de estos recursos poéticos. Otro ejemplo claro lo tenemos en una canción de El Chojin, La sociedad protectora de esto y lo otro:
"¡Qué miseria! Ése no era el cochazo que tu querías. Tu chica por esa causa estará contigo sólo a medias."
Pronunciando [quérias].











Estructura rítmica
Los golpes (aunque no necesariamente del rap) son casi siempre en 4/4 tiempos. En su esencia rítmica, las canciones de rap, en lugar de un compás de 4/4 (como en otros estilos musicales, donde la canción sigue el golpe), se basa en un conteo de 3, similar a un "swing" encontrado en los golpes del Jazz. Sin embargo, en el rap se toma este concepto un paso más allá. Mientras que el ritmo del Jazz implica notas de tres octavos (un trío) por golpe, en el rap es el doble: 6/16 (un "doble trío") por golpe. Como el énfasis es mayor, frecuentemente se toca (o se compone) en una forma relajada.
Quizá la mejor forma de entender la música sea escuchándola: es por esto que para entender mejor el último párrafo, sería bueno que se procediera a la escucha de una canción con un compás de 16 tiempos muy marcado: Still D.R.E. de Dr. Dre con Snoop Dogg.
Esta estructura musical bebe directamente del soul y, sobre todo, del funk, donde los golpes y la temática musical eran repetidos por la duración de las pistas. En 1960s y 1970s, James Brown (conocido como el padrino del soul) conversaba, cantaba, y gritaba mucho como los MCs lo hacen hoy. Este estilo musical proporciona la plataforma perfecta para los ritmos
de MCs.

El rap instrumental es quizás la única excepción de esta regla. En este subgénero de rap, los DJs y productores son libres experimentando y creando pistas instrumentales, sin embargo es otro subgénero que debe ser englobado más correctamente en el DJing que en el rap, donde instrumental y letra se dan la mano.

Algunos cantantes y músicos son:
Alicia Keyes
Hocine
Foxy Bronwn
Pochette Tox
Chenzina
p. diddy
Lyrika Sonkxion
Duoble Canon
Oro Negro
Eminem
D12
Jay-z
Nelly
LL Cool J
The Roots
Kanye West
Mary J Blige
The Black Eyed Peas

Pueden escuchar los temas de Rap haciendo click Aquí o Aquí
Video de Jay-Z en vivo

Jazz

Origen de Jazz:
El jazz es un tipo de música difícil de definir, puesto que en la mayor parte de los casos su estudio teórico se ha abordado desde los principios de la música clásica por musicólogos europeos y el jazz se resiste a ser abordado desde fuera de su propio universo.
El jazz, como muchas otras artes se explica a sí mismo, y sólo la experiencia de su audición permite comprenderlo.

Las raíces
El jazz es el fruto del encuentro de la tradición musical africana y la europea, en un escenario preciso, Estados Unidos, a raíz de la llegada de los esclavos negros desde principios del siglo XVII.
En el siglo XIX, la religión cristiana (sobre todo las iglesias baptista y metodista) fue impuesta a muchos de estos esclavos, que encontraron en los textos del Antiguo Testamento numerosas analogías aplicables a su propia situación y en las corales una forma de expresión musical.

Con el paso del tiempo esos salmos teñidos de tradición africana darían lugar a lo que se conoce como GOSPELL, canto religioso que adopta formas diversas: la prédica del pastor, los grupos vocales y gran número de solistas especialmente femeninas.
La música religiosa convivía con la profana: canciones de plantación, baladas, y otras formas de expresión popular, tanto africanas como europeas, que alimentarían uno de los grandes pilares de la música afroamericana, el BLUES. Si nos atenemos a criterios musicales el blues es una estructura de doce compases, que utiliza las llamadas “blue notes”, alteraciones de la tercera y séptima notas de la escala, pero el blues es mucho más, hay quien lo traduce por tristeza, aunque es más acertado la definición de los propios cantantes de blues: “Blues is a feeling”, es una sensación, un sentimiento.

Por otro lado surge en Saint Louis hacia 1870 un estilo pianístico, que sin llegar a ser jazz se acerca mucho por su carácter dinámico y saltarín, es el RAGTIME, su característica principal es la superposición de un ritmo regular tocado por la mano izquierda y un ritmo sincopado que va haciendo la mano derecha, a veces también utiliza las “blue notes”. Su origen parece ser que está en las danzas que bailaban los esclavos parodiando a sus amos. Las partituras de ragtime se grababan en “rollos de cartón” para piano mecánico o pianola y su músico más representativo fue Scott Joplin.

El nacimiento del jazz se pierde en esa confluencia de formas y estilos musicales de la cultura afroamericana que se produce a finales del siglo XIX: el gospell, el blues, el ragtime, las marchas militares, la música de baile europea....Toda esta mezcla creará el transfondo sobre el que Jerry Roll Morton se permitiría autoproclamarse “inventor del jaz.

Instrumentos

El jazz es una música de raíz africana con elementos occidentales, esto se refleja en los instrumentos se utiliza. Fundamentalmente se dividen en dos clases: los que marcan el ritmo (rítmicos) y los que tocan la melodía (melodía).

- Rítmicos:
Batería. Se empezó a utilizar muy tempranamente pero como un instrumento secundario, que acompañaba a los solistas. Pronto se convirtió en uno de los más importantes de cualquier formación.
Contrabajo. Tocado directamente con los dedos. A veces se sustituía por una tuba.

- Melódicos:
Piano. Utilizado ya en el ragtime, pasó al jazz como instrumento protagonista.
Trompeta. Tuvo una importancia enorme hasta los años 40 en que fue remplazada por el saxofón. Antes de la trompeta se empleaba un instrumento parecido, la corneta.
Saxofón. Se puso de moda con Coleman Hawkins y pasó a convertirse en solista a partir de la revolución de Charlie Parker.
Banjo. Era el instrumento más importante de la música popular norteamericana. Se utilizó hasta los años 20, luego cayó en desuso sustituido por la guitarra.

Algunos cantantes, compositores y músicos son:

Louis Armstrong
Richard Wagner
Enrique Granados
Charles McPherson
King Pleasure
Dizzie Gillespie
Ella Fitzgerald
Duke Ellington
Charlie Parker
Antonio Sánchez
Miles Davis
Gonzalo Rubalcaba
Eugenio Toussaint
Norah Jones
Diana Krall
Ray Charles

Pueden escuchar los temas de Jazz haciendo click Aquí o Aquí

Video de Ella Fitzgerald & Nat King Cole

Clásica

La musica clasica es la considerada mas culturosa y de dificil apreciacion, compleja y rica, con multiples instrumentos.
Como siempre ocurre en todos los estilos y todos los idiomas, la musica es una herramienta de relacion entre las personas, tiene un fuerte componente social, de intrepretacion y de postura ante la realidad del momento.
La musica clasica se escuchaba en auditorios especiales como teatros, tambien en las casas y significaba siempre un acontecimiento social. Para asistir debia contarse con una invitacion, no siempre se bailaba, era un momento para hacer relaciones y congraciarse con el dueño de casa.

Origen de clasicismo
Recuerdo que mi amigo el inolvidable escritor Juan Benet solía decir que la única música interesante para él, se enmarcaba en ochenta años, los que van desde la Heroica a la muerte de Wagner, es decir, entre l803 y l883. Era una de sus muchas boutades, ocurrencias que, dichas por una persona tan ingeniosa, conseguían siempre sus corifeos. Pero yo le argüía con citas concretas de músicas del barroco y del clasicismo y, al conjuro de ciertos nombres y obras, acababa claudicando. Como buen aficionado, terminaba por reconocer que el clasicismo era la madre a cuyos pechos se había criado Beethoven y su amadísimo (de Benet) Franz Schubert. El clasicismo o periodo clásico viene a abarcar el medio siglo anterior a periodo susodicho, es decir, al que transcurre entre la muerte de Johann Sebastian Bach y las primeras obras revolucionarias de Beethoven. El término puede ser equívoco, pero se ha convertido en moneda corriente para designar en música a la segunda mitad del siglo XVIII, coincidiendo, por tanto, con lo que en otras artes, donde son fuertes las huellas del mundo grecolatino, llaman neoclasicismo. Aunque musicólogos de la talla de Massimo Mila o Giorgio Pestelli rehuyan el término clasicismo, nos parece mucho más adecuado que el hoy muy aceptado de barroco. Ya sabemos que al hablar de música clásica nos referimos a un tipo de música histórica o música de arte, elaborada por individuos con una formación y unos conocimientos transmitidos y enriquecidos (o desvirtuados) de generación en generación.

Es decir, una clase de música entre cuyos objetivos debería estar el de la permanencia, aunque a veces haya sucumbido al implacable paso del tiempo. Pero al hablar de música clásica refiriéndonos a la producida entre la muerte de Johann Sebastian Bach y el nacimiento de la Sinfonía en Mi bemol mayor de Beethoven, pensamos en una época y estilo caracterizados, en líneas generales, por la búsqueda de claridad en la forma y el contenido, por un equilibrio expresivo y una moderación y serenidad ejemplares. El compositor clásico poseyó un oficio extraordinario y, tal vez por ello, puede haber generado la idea equivocada de cierta manera en exceso académica o formularia a la hora de crear. Es cierto que, en principio, los clásicos se sometieron a unas reglas inmutables cuya transgresión resultaba casi un pecado de lesa belleza, pero también es verdad que los maestros de talento supieron hallar dentro de esas normas, o profanándolas, el modo de llegar a eso que Rameau consideraba la finalidad de la música: conmover. En Europa estaba llegando a su ocaso el antiguo régimen y el tímido pero incesante auge de la industria anunciaba una nueva era que la Revolución francesa traería en todos los órdenes.

El auge de la ópera en todos los países, los conciertos públicos en París, Londres, Madrid y numerosas ciudades alemanas e italianas, el aumento de la edición de música, de constructores de instrumentos, el lento progreso del fortepiano inventado a comienzos del siglo en Florencia por Bartolomeo Cristofori, la aparición de grandes orquestas en Viena, Mannheim, Londres... , son cuestiones a tener en cuenta para comprender una etapa floreciente de la música europea que desarrolla un estilo internacional a base de intercambio y libre circulación de músicos y partituras desde Moscú a Lisboa. Una obertura escrita por Souza Carvalho en Vilaviÿosa , no lejos de Badajoz, puede parecerse mucho a otra escrita por Haydn en Eisenstadt. El estilo galante o rococó En un comienzo, entre l740 y l765, aparece el llamado estilo rococó, una derivación del último barroco, sumamente estilizado y, sobre todo ornamentado. Serán los propios hijos de Bach, sobre todo Johann Christian y Carl Philippe Emanuel quienes, en Londres, Hamburgo y Berlín, hagan brillar este estilo. Otros muchos músicos, en toda Europa, participarán de él (recordemos en España los Quintetos o los Conciertos para dos teclados de Antonio Soler), incluidos los muy grandes Mozart, Haydn y Boccherini, pero pronto se impondrá el clasicismo de clara armonía y escritura horizontal. Estamos en plena Ilustración y las exigencias del buen gusto, lo elegante, el sueño de la razón, hallará su cauce en ciudades donde la tradición impone la norma.

Viena es fiel a ella y la corte no duda en buscar las líneas geométricas del clasicismo arquitectónico a través de artistas ordenados y profesionales como Antonio Salieri. Pronto ese estilo galante entrará en quiebra, acusado de falta de espiritualidad, humorismo excesivo, acercamiento a los ritmos exóticos de la música rural, debilidad de lo sinfónico a causa de los numerosos pasajes a solo de las Sinfonías concertantes, etc. Sturm und Drang El gran Joseph Haydn reaccionará a mediados de los años sesenta desarrollando un estilo muy puro e impulsivo, lleno de energía y contrastes, tenso y nervioso, que se ha conectado con el movimiento prerromántico alemán Sturm und Drang (Tempestad y Empuje).

Algo parecido le ocurrirá a Mozart después de su breve estancia en Mannheim el año 1777, en viaje hacia París con su madre. La ciudad de Mannheim ocupa un lugar destacado en el desarrollo del sinfonismo clásico. En ella el elector del Palatinado príncipe Carl Theodor sostuvo una orquesta que, cuando Mozart pasó por allí contaba cerca de 90 músicos, es decir, era un poderoso instrumento sinfónico, uno de los mejores y más nutridos de su época. La música floreció en Mannheim con autores como Jan Stamitz y su hijo Karl, Cannabich, Toeschi, los Cramer, los Eck, los Toeschi, Fränzl, etc. El estilo de los mannheimer se caracterizó por la utilización de la forma sonata y la explotación de los efectos dinámicos, gracias, entre otras cosas, a la buena escuela violinística y, en general, de la cuerda, de la orquesta. Por esos años, Boccherini estaba haciéndose en Madrid un estilo inconfundible que, pese a sus diferencias con los de Haydn o Mozart, se acercaba a ellos con una música triste y dramática, digna de la sensibilidad Sturm und Drang, pese a su carácter más blando e idílico. Eso puede apreciarse en su colección de sinfonías, donde junto a momentos de impulsiva rotundidad, como el que evoca el Don Juan de Gluck en su Sinfonía en Re menor G, 506, La casa del diablo, hallamos esa sensibilidad biedermeier en el segundo movimiento de la Sinfonía en Do mayor G. 505, o en el adagio no tanto de la Sinfonía en Si bemol mayor G. 507.

La sonata No se caracterizó Boccherini por ahondar en la forma sonata; antes bien, rehuyó los largos desarrollos y fue conservador en cuestiones como la de la música pastoril o en seguir empleando el minueto. Y sin embargo, la sonata es uno de los principales hallazgos del clasicismo, su gran cauce formal. No vamos a describir esta forma musical, pues ya García del Busto se ocupa de ello dentro de Melómano, pero conviene recordar que la sonata vino a sustituir a la suite barroca, reagrupamiento o sucesión de danzas. Ahora hallamos tres o cuatro movimientos, allegro, andante, minueto y finale. Pero lo que llamamos forma sonata se recoge en el primer movimiento. Después de una etapa incipiente en el que se emplea un solo tema, la época clásica -en especial Haydn y Carl Philipp Emanuel Bach- forjará la sonata bietemática, en la que dos temas de diferente carácter se enuncian en la exposición, a la que sigue el desarrollo y la recapitulación en el tono inicial. La fijación del esquema tripartito de la sonata ha sido uno de los motores de la evolución de la música, pues el desarrollo temático, es decir, la elaboración del tema o de los temas, mezclados, ha dado lugar a admirables ejercicios de creatividad. Así se a lanzado el arte musical hacia delante. Con la sonata se abandonará el insistente uso del bajo continuo y surgirá una concepción de lo melódico mucho más flexible. Lo armónico recibe nueva savia con las modulaciones de ese desarrollo temático, un colorido e impulso libre y natural, mucho más abierto e imaginativo. En los años sesenta, Haydn escribe ya sonatas para piano con este evolucionado esquema, en las que no se ven huellas del mundo galante del clave. Las sinfonías de Haydn a partir de entonces, las de Mozart y las primeras de Beethoven serán la mejor consecuencia de la forma sonata, del equilibrio y proporción apolinea de su estructura, de un clasicismo, en fin, que no ha dejado nunca de tener vigencia. La ópera Durante la primera mitad del siglo XVIII la ópera se había convertido en un espectáculo aparatoso y brillante al servicio de reyes y cortesanos de toda Europa. Desde Portugal a Rusia imperaba la tragedia lírica, cuyo modelo fueron primero las óperas de A. Scarlatti, en Italia y de Lully en Francia, a quien siguió el magnifico Rameau, óperas montadas con los más sorprendentes efectos y un lujo dispendioso. El principal productor de libretos de carácter heroico y mitológico fue Pietro Trapasi, conocido como Metastasio, poeta imperial que impuso en Viena y otras cortes europeas este tipo de ópera pomposa y altamente convencional. Adolph Hasse es el principal cultivador en los primeros años, pero a él seguirá todo un ejército de compositores. Haendel, por ejemplo, en Londres, se dedicó a ese tipo de ópera por aquellos años, como en España lo hacían José de Nebra y otros. La estructura de la opera barroca distribuye su música en recitativos (que pueden ser secos, es decir, con acompañamiento del clave, o acompañados por la orquesta) seguidos de un aria. El siciliano Alessandro Scarlatti fue el fundador de la ópera seria en Nápoles.


El perfeccionó el dramma per musica, consolidando el aria como parte sustancial de la música por su melodismo contenido expresivo. Introdujo, por ejemplo, concertantes a cuatro voces y a él se atribuye la invención del aria da capo, si bien todavía el acompañamiento conserva numerosas huellas del pasado contrapuntístico. Los sucesos peregrinos e incongruentes que proporcionaban a los músicos los libretos durante la primera mitad del siglo, carentes de toda verosimilitud, hicieron surgir ciertos movimientos reformistas, como el del Tommaso Traetta en Parma y Mannheim, Jommelli en Stuttgart, Rodríguez de Hita en Madrid, quien contó con un Calzabigi español, Don Ramón de la Cruz, etc. En el tratado Rivoluzioni del teatro musicale italiano, el jesuita español Esteban Arteaga había elevado al drama poético de Metastasio a la cumbre de la perfección como base de la ópera. Que el drama lírico fuese coherente en sus múltiples aspectos, era la principal petición de los reformadores, como puede verse en el Saggio sopra l'opera in musica (l755), en el que Algarotti se adelanta a algunos de los cambios de los dos grandes revolucionarios de la época, el libretista Rainiero Cazabigi (l714-1795) y el compositor Christoph Willibald Gluck (l714-1787). Gluck perteneció en su juventud a la capilla vienesa del príncipe Lobkowitz. El aristócrata lombardo Antonio M. Melzi le convenció de que se trasladase a Milán. Allí amplió estudios con uno de los padres de la sinfonía, Gian Battista Sammartini. Empezó componiendo pasticci para teatros de Venecia y luego fue a Londres, donde le impresionaron los oratorios de Haendel, de líneas tan claras, la concepción dramática de sus partes corales, noble y grandiosa. Tras años de peregrinar por centroeuropa se estableció en Viena, donde vivía componiendo óperas cómicas y ballets. Pero en su mente estaba la reforma de la ópera, fundada sobre todo en lograr la unidad del drama , devolver a la música su función primordial al servicio del texto y poner fin a las convenciones metastasianas de las arias da capo, profusamente ornamentadas y cantadas por castrati después de un recitativo seco. En l762, estrenó Gluck en Viena Orfeo y Euridice sobre libreto de Calzabigi, un paso gigantesco para imponer las nuevas orientaciones al arte lírico, y que él mismo pondría de relieve en el prólogo a la primera versión publicada en Alceste (l769). Gluck quería, sobre todo, eliminar del drama los elementos alegóricos y dramáticos, tan queridos del barroco, y crear una ópera más sencilla, de menos aparato y número de personajes. Después de su inmortal Orfeo, nacieron Alceste, Paris y Elena, Ifigenia en Aulida, Armida, Ifigenia en Tauride y Eco y Narciso. Toda una corona de gloria que ciñe la frente de Gluck y le pone junto a los grandes dramaturgos musicales del siglo XVIII: el coloso Haendel y el verdadero dios de la ópera, Wolfgang Amadeus Mozart, cuyo genio tardará en imponerse. No está de más recordar que el teatro lírico suscitó en París, a lo largo del siglo, diversas batallas y numerosos escritos polémicos, entre ellos los del abate Raguenet, Saint Evremond, Le Cerf de la Viéville, el barón Grimm, Rousseau, Marmontel... Entre las querellas basta recordar la de los seguidores de Lully y los de Rameau a comienzos de siglo; la de los seguidores de Gluck y los de Niccoló Piccini (l728-1800) a finales, un tanto absurda porque el músico de Bari no se oponía sino que secundaba las ideas de Gluck. La más célebre es la llamada querella de los bufones, que dividió a la intelectualidad parisiense a raíz del estreno de La serva padrona de Pergolesi, un pequeño intermezzo cómico para ser intercalado en la ópera seria Il prigioner superbo. Pieza en apariencia inofensiva, abrió sin embargo una profunda división en el mundo artístico, generando hasta sesenta opúsculos a favor y en contra, de altas personalidades de la cultura francesa. Era el comienzo de una batalla en pro de la autenticidad y la pureza líricas, librada ahora a través de la ópera bufa, de larga tradición en Italia. Batalla que culminaría felizmente a fin de siglo con la reforma de Gluck y su mejor consecuencia: las óperas con libreto de Da Ponte, de Vicente Martín y Soler y del incomparable Mozart.


Algunos compositores son:

Bach
Van Beethoven
Brahms
Chopin
Debussy
Handel
Haydn
Liszt
Mendelssohn
Mozart
Schubert
Schumann
Tchaikovsky
Vivaldi

Pueden escuchar los temas de Clásica haciendo click Aquí o Aquí

Romántica

La Música Romántica es una forma de expresar los sentimientos como el amor, la amistad o el enojo.
Por lo general es de ritmo lento, y induce al tipo de baile donde la pareja se abraza. En este ritmo las canciones son poesias o frases muy inspiradas.

Si bien el resto de los ritmos mencionados siempre cuentan con canciones donde se expresa el amor o sentimientos hacia otra persona, en el genero Romantico esto es exclusivo, donde el oyente se siente identificado con lo que el cantante expresa...


Algunos cantantes son:

Natalia Oreiro
Luis Miguel
Alejandro Sanz
Ricky Martín
Cristian Castro
Patricia Sosa
Laura Pausini
Enrique Iglesias
Puma Rodríguez
Sergio Denis
Sandra Mihanovich
Roxana
Dyango
Julia Zenko
Silvina Garré
Chayanne
Ricardo Montaner
Diego Torres
Celine Dion

Pueden escuchar los temas de Romántica haciendo click Aquí o Aquí

Video de Alejandro Sanz

Salsa

La salsa es el género musical por excelencia con que se identifica a lo latinoamericano. Está asociado a la alegría, el ritmo, la ropa colorida y floreada, a las ganas de vivir a pesar de las dificultades de la vida cotidiana. Se baila en muchos paises latinoamericanos.

Es el resultado de fusionar varios ritmos caribeños con elementos de jazz.

Fue introducido por inmigrantes latinoamericanos, especialmente de Cuba y Puerto Rico, que en los años setenta mezclaron ritmos tradicionales latinos con elementos del jazz según el ejemplo del mambo y del chachachá.

Se estima que la movida comenzó en la década de 60 en Cuba y Los Caribes.
Una variante es la Salsa de romántica que aquí fue traida por Gloria Estefan y Juan Luis Guerra.


Algunos cantantes son:

Celia Cruz - Juan Luis Guerra
Tito Puente - Rubén Blades
Gloria Estefan - Tito Nieves
David Pabón - Jerry Rivera
Mark Anthony - Bobby Cruz
Willy Chirino - Rey Ruiz
Johnny Pacheco - Willie Colón
Puerto Rican Power - Nelson González
Víctor Manuelle - Larry Harlow - Gilberto Santa Rosa

Pueden escuchar los temas de salsa haciendo clic Aquí o Aquí

Video de tributo a Celia Cruz con Ricky Martin Tito Puente y Gloria Estefan

Folklore

El folcklore es la música típica de cada país. En el nuestro existen diferentes tipos de danzas folklóricas, las cuales identifican a las diferentes regiones. Por ejemplo tenemos la zamba, el malambo, el gato, la chacarera, la cueca, el escondido, el bailecito, el chamamé y otras más.

Curiosamente, el tango no se lo considera como parte del folklore, sino como una expresion nacida en Buenos Aires.

Yo aprendí el GATO en la escuela y también cuando era niña, en el club F.O.C. (Ferro), tenía campeonatos de bailes.

En un sentido más amplio el folklore incluye las tradiciones de las provincias, leyendas, comidas, vestimenta, poesía, artesanías y hasta la vivienda.

En todo el país es muy fuerte y rica la música folklorica, con recitales y discográficas con mucha fuerza y llegada a todos los sectores sociales.

Algunos de los representantes típicos en este momento son:

Soledad Pastorutti
Luciano Pereyra
Mercedes Sosa
César Isella
Chango Nieto
Atahualpa Yupanqui
Antonio Tarragó Ross
Los Carabajal
Marcelo Berbel
Los Tucu Tucu
Teresa Parodi
Los Nocheros
Los Chalchaleros
Dúo Coplanacu
Los hermanos Abalos
Jaime Torres
Horacio Guarany

Pueden escuchar los temas de Folklore haciendo click Aquí o Aquí

Video de Soledad Pastorutti